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古典樂派簡介

“古典”(Classic)一詞源自拉丁文,原是典範、即奉古希臘(或羅馬)為典範而加以模仿的意思。古典主義開始形成於羅馬時代——羅馬文化鼎盛時期、即西元前一世紀奧古斯都時代。羅馬與希臘同為奴隸社會,基礎及文化有其大致相近之處,羅馬帝國在文藝方面繼承古希臘遺產,即把古希臘的成就看作不可逾越的高峰,藉以從思想上統一被征服各民族,但由此也形成了長期統治西方的崇拜古典的風氣。古典主義在文藝復興時期特別廣泛流行——文藝復興本義正是復興古典文藝的意思。十七世紀西方文化中心從義大利轉到法國,這時出現的古典主義運動,時常被稱為新古典主義,以別於羅馬與文藝復興的古典主義。法國新古典主義是法國中央集權君主專制的產物,原型是拉丁古典主義,它的出現適應了法國統治階級醉心在法國土地上恢復羅馬帝國業績的需要。法國新古典主義在文學上的成就主要在於戲劇,它的全盛時期在七十至八十年代;但是新古典主義在十七世紀末走下坡路後還在法國延長壽命一百年,不過這時這已成為形骸僅存的東西,所以有時也被稱為“偽古典主義”。古典主義崇尚理性(實即人的良知),法國新古典主義的哲學基礎是當時十分流行的唯物理論,它提出理性是真知的唯一源泉,真理的標準,衡量一切現存事物的唯一尺度,這就動搖了中世紀煩瑣哲學的思辨方法和對教會權威的信仰,自有其進步的一面。新古典主義特別重視規範化,因此法則幾乎成為一切創作的方劑,例如戲劇上的三一律(即“要求舞臺上的表演自始至終只有一件事在一地一日裏完成”——布瓦洛《詩的藝術》)在當時就是不得逾越的一個規範。由於強調理智的因素,新古典主義一味要求風雅、高尚、審慎與節制,過分側重於表現的形式和技巧,特別是語言的純潔和明晰,至於創作的想像則常被棄之不顧,作品中的感情表達,也只是作為一股潛流在完美、均衡的形式的光滑外表之下起伏而已。古典風格的作品結構嚴謹,故事發展順理成章,語言明確洗煉,不追求故作驚人之筆或戲劇性穿插,莊嚴而無虛架子,激動而沒有火氣——所有這些都是古典主義的基本信條。
      但是“古典”一詞在音樂中卻可以有種種解釋。
      人們有時把嚴肅音樂或藝術性音樂統統稱為古典音樂,以同所謂“流行”音樂或娛樂性音樂相區別。“古典”的這一廣義解釋,把歷史時期和風格全然撇開,因此,本來是屬於不同時期和不同風格的音樂作品,例如,巴赫、貝多芬、柴科夫斯基以至於斯特拉文斯基的作品,都可以稱為古典音樂。“古典”一詞在一些音樂愛好者心目中雖是這樣理解發,但是應該說,這樣的提法很不確切。較為精確的解釋有兩種:第一,專指音樂史上特別強調清晰、均衡和自然的風格,或強調客觀性與傳統的時期,從這一方面著眼,文藝復興後期和巴羅克後期以及維也納古典樂派,都屬於典型的古典時期。第二種解釋是狹義的,它只指維也納古典樂派,即海頓、莫紮特和貝多芬,有時也延伸到舒伯特。根據這後一種解釋,音樂上的古典時期,約自1750年巴赫去世時開始,直到1830年為止,其間唯一發生的重大事件——1789年法國大革命,把這一時期截然分成兩半。顯而易見,象這樣劃定音樂上的古典時期,在時間上同法國文學的新古典主義卻相去甚遠。
      西文音樂的古典風格最明顯的標誌,是主調和聲織體取得統治地位。象單聲音樂(通奏低音)在巴羅克時期取代了文藝復興的模仿複調那樣,現在,古典時期的主調音樂又取代了巴羅克後期的賦格曲一類的複調作品。新的主調音樂帶來的風格變化,從賦格曲與古典作品的比較中可以清楚看出。在一首賦格曲中,我們聽到的只是旋律的依序進入、模仿和交迭,卻不容易跟蹤任何一支旋律的進程,也聽不清楚它的結束或旋律中的樂句和分句,樂曲中諸聲部的進行只是象持續不斷的流水那樣。但在古典的主調音樂作品中,獨具個性的旋律卻是絕頂需要的,這旋律往往由一些易於記住和便於發展的短小動機組成,因此,我們很容易清晰地聽到樂曲中旋律內部相互依存的一個個樂句,其中一個四小節(或者八小節)的樂句往往還用於另一個四小節(或八小節)的樂句予以平衡,聽來一切全都井然有序;推而廣之,整個作品事實上總是由這種對稱的樂段(用終止式以標明)的週期性反復組成的。因此,從古典作品中旋律的呈現、變化和反復的模式,也很容易辨認出整個樂曲的結構和形式。
      音樂史上的古典時期基本上是屬於器樂的,絕大多數作曲家的注意力都集中在器樂的體裁與形式,聲樂的地位反而退居其次。這也是由時代的要求所決定的。十八世紀,法國君主專制政體已在腐朽之中,而啟蒙運動卻以歷史上前所未有的規模廣泛地發展著,智慧之光散佈得越來越廣。啟蒙主義者規定文學藝術應能影響人們的思想並鼓舞人們起而實現社會改革這一主旨,反映了當時不斷壯大和漸有權力的第三等級的利益,這方面以平民走上戲劇舞臺作為主要標誌,而博馬舍(P.-A.C.de Beaumarchais,1732-1799)的喜劇《塞維爾的理髮師》和《費加羅的婚姻》則為此樹立了不朽的典範。古典風格的音樂大師,都是屬於當時的第三等級,為了便於面向日常生活的題材和表現普通人的形象,他們必然地轉向純粹世俗的器樂領域。就以海頓來說,這位長年為他的主人埃斯提哈齊的私人娛樂譜寫家庭禮拜彌撒樂和祝壽聲樂大?的作曲家,也懂得分出自己的一部分時間,到英國指揮公開音樂會,演奏他為宮廷以外的廣大聽眾而寫的交響曲,滿足這些願意花錢買票的中產階段新聽眾的需要。敢於同大主教決裂的莫紮特,雖然在歌劇方面卓有貢獻,他的器樂作品也是大量的。至於貝多芬,他純粹是一位器樂作曲家,他以革命中的英雄作為作品的主人公,為此他有時也被稱為革命的古典作曲家。
      古典主義的規範化確立了奏鳴曲、弦樂四重奏、協奏曲和交響曲等多樂章體裁和快板樂章奏鳴曲形式。人們常把奧地利作曲家海頓稱為交響樂之父,其實,這種體裁是在柏林、曼海姆、維也納、巴黎、義大利和波希米亞眾多作曲家的共同努力之下,經歷過非常複雜的發展過程而形成的,其中應特別提到的有曼海姆的斯塔米茨和北德的埃曼紐爾·巴赫(K.P.E.Bach,1714-1788,老巴赫的第二個兒子)等。同巴羅克風格相比較,古典風格的快板樂章奏鳴曲形式以兩個主題本身的繁複變化而按階段發展,而不是單純依靠模仿(有些評論家甚至認為主題的發展乃是古典作品寫作的基礎,聽古典風格作品時人們更多的也是注視著主題的發展);古典風格作品中節奏與配器色彩靈活善變,而不是整樂章劃一不變;古典風格取消數字低音,作品中所有聲部、甚至於演奏的力度,都由作曲家親自寫出和標明,而不是留給演奏者演奏時即興處理。至於感情的表達,古典作品由於理性精神的影響,往往比較克制、沉著,而不是狂熱的傾訴——從這方面著眼,巴羅克風格全然不同於古典主義,它反而更接近於後來的浪漫主義的精神。
      古典時期因然是主調音樂占居統治地位,但複調寫法不論在世俗音樂或是宗教音樂中並沒有絕跡。古典作曲家在以主調音樂為基礎的作品中,還不時運用複調以強化、對比和發展,並以古老的複調形式、特別是賦格曲以進行試驗。象這樣的兼收並蓄,是每一種風格和每一個歷史時期用以擴充音樂語彙的一種通行辦法。
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